Naomi Sharon se deja ver en ‘No Sleep In Paradise’

Naomi Sharon se mueve a través del sonido, no del ruido

Su obra siempre conlleva un cierto clima emocional: una suave tormenta, una réplica de intimidad, una especie de tristeza que no pide permiso para sonar bella. Pero últimamente se está formando una temperatura diferente debajo de todo esto. No es exactamente una reinvención, sino una mejora. Un sentido más claro de uno mismo. Una mujer que llega a los treinta con menos confusión sobre lo que siente y más ganas de creerlo.

“Emocionalmente me siento más maduro”, dijo simplemente, sin adornos. “Los años veinte son como una segunda pubertad. Luego, a los treinta, crees que lo has resuelto, y luego tienes que resolverlo de nuevo”. No se plantea como una crisis, sino como una continuidad. La música, añade, ha seguido: historias más honestas, más consuelo en la vulnerabilidad, menos dudas a la hora de nombrar lo que duele.

Esa honestidad es parte de lo que le da a su último proyecto un poder silencioso. Contiene canciones que no generan angustia como sentarse en ellas. “Días mejores”, admite, una vez que rompe a llorar, no porque esté diseñado para el impacto, sino porque en realidad lo está frenando. La producción conlleva una especie de dualidad emocional: el brillo del tiempo medio deja espacio para el dolor lírico, un recordatorio de que la tristeza rara vez viene sola.

Naomi Sharon aprende el lenguaje del abandono

La vulnerabilidad en el estudio, explicó, no era algo que tuviera que forzar. Esto es algo que ella protege. El entorno es tan importante como la escritura misma. “Necesito a alguien en quien pueda confiar”, dijo. “Mi equipo son mis amigos. Es un espacio muy seguro”. En esa seguridad, las canciones son menos productos y más conversaciones inacabadas que encuentran su forma final en el ritmo.

En “Was It Ever Love”, hay una línea: “No puedes comunicarte conmigo como solías hacerlo”. Se convierte en un punto de entrada natural a una reflexión más amplia sobre las relaciones y la distancia, en una lenta educación de los límites emocionales. Sharon no se posiciona como alguien que siempre sabe cuándo irse. En cambio, habló con una especie de rendición de cuentas suavizada. “Definitivamente puedo pensar demasiado en las cosas”, dice. “Pero aprendes. Y empiezas a confiar en las personas cuando te muestran quiénes son”.

Hay un curioso paralelo en su forma de hablar del apego: nombra patrones de ansiedad y luego los descarta como algo no aprendido en lugar de fijo. El apego seguro, señala después de una pausa, tiene menos que ver con la perfección y más con el autorreconocimiento: no perseguir lo que se frena, no encogerse en respuesta a la incertidumbre. Este es un ideal hacia el que avanzó, sin pretender haberlo dominado.

Naomi Sharon se convirtió en el centro de atención

Si su paisaje emocional parece más arraigado ahora, su mundo creativo es más cinético. El álbum, marcado por el sencillo “Miss That”, se construyó en movimiento, literalmente. La danza ha reintroducido su lenguaje artístico con intención, basándose en una experiencia en teatro musical y un deseo renovado de encarnar el sonido en lugar de simplemente cantar. “Sólo quería moverme”, dice, casi riéndose de lo simple que es después de años de silencio en la actuación.

Ese cambio no surge de observar las tendencias. Surgió de la memoria. Desde ver estrellas del pop que tratan el escenario como una narrativa de cuerpo entero: artistas como Beyoncé, Lady Gaga y una nueva generación que incluye a Tate McRae y Teyana Taylor. “Así es para mí una estrella del pop”, dice. “Me perdí eso”.

Recuperar la coreografía significa volver a la disciplina. Jornadas de entrenamiento de cuatro horas, repetición hasta que el instinto sustituya a la timidez y cierta entrega a la imperfección. “Soy un perfeccionista”, admite, “y necesito dejarlo pasar”. La tensión entre control y expresión recorre su proceso creativo, especialmente en lo visual, donde la identidad se vuelve tan curada como el sonido.

Naomi Sharon pinta con sentimientos, no con colores

La evolución de su estética (cabello oscuro a rubio platino, ahora un lenguaje visual más minimalista) se ha convertido en su propia historia. Pero se niega a concebirlo como un concepto. “Es parte de mi identidad”, dice. Al crecer, explica Naomi, pasó por diferentes estilos cada año, experimentando hasta que se decidió por algo más instintivo: monocromático, minimalista, deliberado.

Instinto que lleva a cómo construye el álbum. No piensa en el exceso, sino en la coherencia. “Algunas canciones simplemente van juntas”, dijo. Incluso las canciones que podrían haber existido en otro lugar encuentran su lugar a medida que comienza a formarse un mundo a su alrededor: una paleta de colores emocionales que no tienen que coincidir, sólo relacionarse.

Gran parte de la construcción del mundo tuvo lugar en Los Ángeles, donde grabó mientras aún vivía una versión deliberadamente poco romántica de la vida cotidiana. Las sesiones de estudio en Sony en Culver City están marcadas por rutinas simples: salir, regresar y vivir en el medio. “Salíamos y luego regresábamos y trabajábamos”, dijo. La ciudad se vuelve menos mítica y más rítmica.

Naomi Sharon encuentra la libertad más allá de la perfección

A medida que la conversación a su alrededor se centra cada vez más en la coreografía y la interpretación, surge la pregunta de si la danza es importante ahora, en un panorama donde muchas imágenes pop han sido despojadas. La respuesta fue inmediata: “¿Por qué no lo volvemos a ver?”. Para ella, el movimiento no es nostalgia: es necesidad. Una recuperación de lo que vio cuando creció, lo que todavía asocia con la arquitectura del estrellato pop.

Incluso en la implementación, admite, el control puede ser un punto de fricción en sí mismo. En el set, se encontró volviendo varias veces a los detalles, presionando para lograr precisión hasta que tuvo que liberarse conscientemente. “Nunca es suficiente”, dice, no como una crítica, sino como una admisión. Aprenda, entonces, no sólo a crear, sino también a dejarse llevar cuando la creación comienza a cobrar vida propia.

Hay una facilidad similar en la forma en que habla de su posición en la industria: ser la primera mujer firmada por OVO, navegando por la alineación entre la visión personal y la dirección colectiva. No dramatiza la estructura que la rodea. Más bien, lo plantea como un movimiento compartido. “Todos queremos lo mismo”, afirma. “Se trata de cómo llegar allí juntos”.

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Incluso la mitología de los inicios de su carrera (la ahora familiar historia de estar en Zara, viajando en un tren cuando un mensaje de Drake cambió su trayectoria) se desarrolla sin espectáculo. Ahora, insistió, todavía anclado en el trabajo. “La gente piensa que simplemente eres libre”, dice. “Pero todavía hay que trabajar. Todavía hay que vivir”.

Hay humor en la forma en que habla de su arraigo en Los Ángeles, una ciudad donde el transporte público es más un concepto que un hábito. Todavía encuentra una manera de mantenerse normal: caminar cuando puede y apreciar los pequeños lujos cuando llegan. “Me gustan las cosas bonitas”, dijo a la ligera. “Pero los veo como una recompensa”.

Si hay un hilo central en cómo Naomi se describe a sí misma hoy, no es la transformación sino el alineamiento. Entre la emoción y la expresión. Entre el control y la liberación. Entre quién era antes de la atención y en quién se convirtió dentro de ella.

Y cuando se le pregunta qué hace que alguien sea una “niña” en su mundo, Naomi Sharon no recurre a la estética ni a los algoritmos. La respuesta es más simple, casi eliminando su claridad: “Es cuando te mantienes fiel a ti mismo. Cuando no es performativo. Cuando es simplemente quién eres”. En su caso, esa verdad todavía está abierta y no se mide en la reinvención, sino en la mejora.